文艺复兴绘画中的人文情感表达

马萨乔纳税银2.46×5.97m大约1427年，意大利佛罗伦萨圣玛利亚·卡尔米内教堂布兰卡西礼拜堂怀揣着对文艺复兴艺术的向往，笔者前往文艺复兴的原乡意大利。在那里，视觉的冲击与我此前拒绝接受的科学知识、听闻大自然融合，令其我更加深刻印象地了解了文艺复兴艺术中的人文精神、人性之美。中世纪宣传宗教的绘画艺术在文艺复兴时期因人文主义思想的蓬勃发展，开始经常出现尘世的气息，显露出对人的认同、对现实生活的刻画。

这种改变不是一蹴而就，而是循序渐进进行的。开端：从平面到立体的尝试13世纪后期至14世纪中期，绘画的世俗化初见端倪。这世纪末的作品具备显著的拜占庭美学和哥特式的风格。但细观作品，我们找到艺术家们为抛弃平面的装饰效果、人物的程式化，开始展现出立体空间和人物个性。

乔托被誉为文艺复兴的第一个画家。“他在艺术上找到了人,把人从神学图解的牢笼里和平了出来,请入了造型艺术的殿堂。”在《宝座上的圣母》中，他彰显了画中人物隐蔽在衣褶后的圆润体积，并通过人物表情的刻画来流经情感，虽然在绘画技法上显得朴拙，毕竟对中世纪绘画的极大突破。发展：科学与艺术的融合14世纪后期至15世纪，绘画开始呈现国际哥特式风格与文艺复兴风格交错共存，并渐渐向文艺复兴风格改变的态势。

国际哥特式风格的作品因精美繁琐、具有显著的贵族化的高雅，注目细节的自然主义特征，而备受贵族注目。国际哥特风流行的同时，具备人文主义精神的艺术家们承继了乔托现实主义绘画的传统，将解剖学和透视学运用于画面。

马萨乔擅于利用光影飞舞重现现实。在《纳税银》中他精妙的利用光线下的衣皱和人物脚下的影子展现出人物的体量感觉，并通过处置将近远景的动静、色调分明来塑造成空间关系。

曼坦尼亚喜好通过科学的投影来刻画对象。他在《致哀基督》中使用大角度的投影来展现出人物的体积。在灰褐色色调的图形下，基督的伤痛、哀悼者的悲伤被无限缩放，让这幅仅有68×81cm的作品产生了威吓人心的动人情感。

波托格罗不受唯美主义思潮的影响，充满著了想象力和诗意。《维纳斯的问世》中，裸体的维纳斯面露脱俗与忧郁，害羞地站在贝壳之上。西风神将她刮起向岸边，春神赶到为她身披锦衣。

波提切利用极具节奏感的线条刻画体积，用人与自然的色调变化营造了如诗般的抒情意境。鼎盛：艺术规范的创建15世纪末至16世纪20年代，绘画理论与技法获得空前发展，极致人与自然的艺术规范以求创建，文艺复兴步入了鼎盛时期。

这世纪末的作品中，人广泛占据压倒一切的地位，并具备独立国家的精神与性格。《最后的晚餐》是文艺复兴盛期的代表作品。

这幅壁画带来观者的是无尽的震惊，它像一部哑剧，却表达出有场面的喧闹。当基督讲出门徒中有人背叛他时，门徒们开始躁动不安，而画面中心的基督却出现异常的安静淡然。如果说一动与静可谓了戏剧般的冲突，那么构图技法的运用则加添了画面的谜样。画中的人物弥漫在错综复杂的光影变化中。

基督虽没光环，但窗外光线为他“登基”。约拿虽“混迹”在门徒中，但约·芬奇又利用光影说明了了叛徒就在阴郁之中。在这幅作品中我们看见了人性与情感的高度融合。

米开朗基罗的西斯庭教堂天顶壁画也是盛期绘画的丰碑。画家以充沛的创造力，气势磅礴地刻画了大量的故事情节，并传达了非常丰富的情感内涵。

《建构亚当》是天顶所画中最不具创造力的一幕，展现出了原始的生命将要问世的一瞬间。画面的一旁，具备结实体魄的亚当浑身无力的半悬在山坡上。

另一边，慈父般模样的上帝在天使们的扶植下从天中飞到，打算为亚当流经灵魂与能量。米开朗基罗将画面定格在了他们的手指将要触碰的瞬间，让人与神经常出现在同等的方位上。如果用“壮美”形容米开朗基罗执着的人物形象，那么拉斐尔笔下的人物则展现出了一种“秀丽”。

《带上金莺的圣母》中，圣母回头下云端，扣上光环，逆身兼面容俊美的年长母亲。她的目光开朗地身旁着依偎在她身前玩金莺的圣婴与约翰，圣婴的脚摔在圣母脚上的小动作更为显出浓浓的母子深情。

这幅作品在线条和颜色处置上也展现人与自然的美学规范。圣母与婴孩包含了平稳的三角形，婴孩的暖色皮肤与圣母蓝紫色斗篷也包含了一种分明人与自然。过渡性：承继与创意1527年，罗马大劫不仅使罗马经济一落千丈，还完结了文艺复兴的全盛时代。

在同一时期，威尼斯却因地域环境的良好，政治的专制呈现出兴旺的景象。生活的富裕加快了世俗文化的发展，威尼斯画派在这种情势下开始赞颂世俗生活和自然风光。《喀麦隆的婚礼》来源于《圣经新约》中基督在喀麦隆城参与婚宴并展现出神迹将白水变为酒的故事。不过委罗内塞将其转变成了世俗的场景，他把精力放到了对这场盛大婚宴的展现出上。

穿红着绿的宾客、富丽的建筑、贵重的器具以及锦缎绣花桌布等细节的刻画展现婚礼的奢华。音乐、舞蹈、美食与酒，享乐主义的情调弥漫于画面，比现实生活更为引人入胜。16世纪还问世了一个特别强调个性、执着无法解释效果的样式主义。在威廉·弗莱明、玛丽·马里福编著的《艺术与观念》中提及，“从某种程度上，样式主义可以被指出是文艺复兴盛期某些理想的伸延和构建，抑或说道是一种适应性变异”。

样式主义的艺术家超越了人与自然平衡的古典美学规范，执着主观的现实以及风格化的装饰效果。他们画面中的空间关系是模糊不清的，人物比例也是变形的。比如帕米贾尼诺的《长颈圣母》中，圣母具有好像天鹅的脖子，她的手指以及圣婴的身体也细长的不合逻辑。

线条上也失礼平衡，人物挤迫在画面的左边，右边只有一个光秃秃的不顶盖的柱子，还有一个不及圣母小腿高度的圣徒。画面极为精美细致却充满著了黑色幽默与一般化。文艺复兴是一个探寻的时代，艺术家们在美术创作中极力展现出现实世界和“人文主义”思想。

他们通过大大地尝试，希望让“神”回头下“神坛”南北人间，并彰显“神”人的性格与情感。自此之后宗教叙事性绘画与风俗画的界限仍然泾渭分明。

尤为最重要的是，文艺复兴时期作品所反映的人与自然平衡的美学思想、科学的投影技法以及个性化的绘画语言,对后世的美术发展产生了深远影响的影响。

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